Sonido en Libertad

Flogging Molly - Drunken Lullabies (2002)

2008-11-27T20:58:00.000-08:00

Durante los años 60 y 70 en Gran Bretaña, surgieron dos bandas de folk rock muy importantes como The Dubliners y The Clancy Brothers. También merece especial mención la banda escocesa The Skids, que fueron la primera banda británica de punk en introducir un instrumento musical de origen celta en su música.
Es entonces cuando en 1982 Shane MacGowan funda la banda The Pogues, la primera en mezclar música celta con punk rock. The Pogues son la primera banda denominada punk celta y la más importante.
El punk celta incluye normalmente en sus bandas instrumentos clásicos como la guitarra, el bajo y la batería. Pero también son casi indispensables la gaita (fundamental), el whistle, el violín, banjo, mandolina o el acordeón para conseguir dar al punk las melodías irlandesas tan características del género.
Las principales escenas del movimiento a lo largo de su historia se han sucedido en grandes urbes de importante influencia de inmigrantes irlandeses como en Glasgow, Londres, Boston, Los Angeles, Nueva York y Chicago. La temática ha sido muy particular, primando la exaltación patriótica de la nación de Irlanda y la clase obrera y las bebidas alcohólicas que provocó que muchas de las bandas y aficionados apodasen el género como Irish Punk Drunken Music (música de borrachos irlandeses punk).
Flogging Molly nacieron en una de las muchas tabernas de los nietos de los emigrantes irlandeses de principios del siglo pasado que huyeron de la Gran Hambruna que mató a un millón de personas e hizo emigrar a otro millón y medio. Muy influidos por la música de sus antepasados, comenzaron a tocar en la taberna de Molly Malones, en Los Angeles, dotando al folk irlandés de bandas como The Dubliners de otro tipo de música, más parecido a The Pogues.
La banda surge en 1997 durante pequeñas actuaciones en la taberna Molly Malones, donde llegaron a autoproducirse su primer disco grabado delante de su público.
En 2002, la banda lanza "Drunken Lullabies" (Canciones de Cuna para Borrachos) donde se incluye uno de los éxitos más importantes de la banda.

Les dejo la canción que le da titulo al disco. Drunken Lullabies, en vivo.

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1. Drunken Lullabies (3:50)
2. What's Left Of The Flag (3:39)
3. May The Living Be Dead (In Our Wake) (3:50)
4. If I Ever Leave This World Alive (3:44)
5. The Kilburn Highroad (3:43)
6. Rebel Of The Scared Heart (5:19)
7. Swagger (2:50)
8. Cruel Mistress (2:59)
9. Dealth Valley Queen (4:39)
10.Another Bag of Bricks (3:45)
11.The Rare Oul' Times (4:05)
12.The Sun Never Shines (On Closed Doors) (4:24).

Gregory

Corvus Corax - Kaltenberg Anno MMVII (2007)

2008-10-19T11:58:00.000-07:00

Para muchos lo primero que salta a la cabeza cuando se habla de música medieval es a un monton de tipos en túnicas, cantos gregorianos, cosas asi. A la música del pueblo nunca se le da mucha bola, y ahi es donde entra Corvus Corax. A través de varías investigaciones y textos buscan reconstruir el tipo de música que esucharías en una taberna o en una joda en medio del campo, algo más suelto con los instrumentos locos de la época. Y aparte en vivo tienen un poco pinta de locos de cuarta.

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1.Bibit Aleum
2.Tuska
3.Venus Vina Musica
4.Skudrinka ("Matze")
5.Nominalto
6.Ballade de Mercy
7.Suam Elle Ires
8.Filii Neidhardi
9.Cheiron
10.Titenka
11.In Taberna
12.Platerspiel
13.Saltarello/Ductia/Trotto
14.Hymnus Cantica
15.Is Nomine Vacans

Ulairion

Anathema - Judgement (1999)

2008-09-02T00:27:00.000-07:00

Cada rama del metal encontraba su lugar para anidar en los años ´90. Mientras que la mayoría de las bandas buscaban cada vez sonidos mas veloces y guitarras mas estridentes, en Inglaterra surgía una pequeña revolución dentro del genero. De la mano de bandas como Paradise Lost , My Dying Bride y Anathema quienes decidieron cambiar la forma en que se hacían las cosas y nadar en contra de la corriente volviendo a los sonidos clásicos de bandas consagradas como Black Sabbath, riffs graves, armonía oscura y repetitiva, ritmos lentos y pesados y distorsiones opresivas (lo que se ya se conocía como Doom Metal).
Provenientes de Liverpool, tierra de Beatles, Anathema fue una de las bandas que dio los últimos golpes para terminar de consolidar un estilo que ya venia gestándose desde 1970.
Luego de casi diez años siendo una de las bandas insignia del genero deciden reinventarse dejando así el Metal para abrazar un sonido mas cercano al Rock, pasando desde el Alternativo al Progresivo hasta llegar al Rock Atmosférico, como es catalogado su sonido actualmente.
Judgement de 1999 es el Álbum con el que hacen oficial este pasaje, el mismo fue dedicado a Helen Cavanagh; madre de los hermanos Vincent (Voz y Guitarra) y Daniel (Guitarra y Teclados) Cavanagh quien había muerto un año antes en de la salida del disco en 1998.

Los dejo con "One Last Goodbye" en vivo. También les recomiendo sobre todo el tema homónimo "Judgement”

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1. "Deep" – 4:53
2. "Pitiless" – 3:11
3. "Forgotten Hopes" – 3:50
4. "Destiny Is Dead" – 1:47
5. "Make It Right (F.F.S.)" – 4:19
6. "One Last Goodbye" – 5:24
7. "Parisienne Moonlight" – 2:09
8. "Judgement" – 4:20
9. "Don't Look Too Far" – 4:57
10. "Emotional Winter" – 5:54
11. "Wings of God" – 6:29
12. "Anyone, Anywhere" – 4:51
13. "2000 & Gone" – 4:51

Gregory

Black Moth Super Rainbow - Dendelion Gum (2007)

2008-07-24T09:01:00.000-07:00

Black Moth Super Rainbow es una banda que mezcla sonidos de electronica, pop y psicodelia. La agrupacion fue conocida hasta el 2002 como "Satanstompingcaterpillars", y en esa epoca consistia de solo dos miembros, Tobacco y Power Pill Fist. En el 2003 adhieren 3 nuevos miembros, y cambian su nombre por Black Moth Super Rainbow. La formacion actual es:

- Power Pill Fist
- Tobacco
- Father Hummingbird
- The Seven Fields of Aphelion
- Iffernaut

El sonido de BMSR esta cargado de sintetizadores, mellotrones, y una miriada de sonidos pintorescos y cautivantes. Esta musica, como ya practicamente se cae de maduro, casi se podria decir que esta hecha con el proposito de que se la escuche bajo efectos de psicoactivos, pero es muy disfrutable incluso 100% sobrio. Claro que bajo los efectos de ciertos quimicos, se pueden encontrar miles de aspectos y sonidos que tal vez nos escapan normalmente. Describir a fondo el sonido de BMSR es una prueba complicadisima, y creo que va a ser mucho mejor que lo experimenten por su propia cuenta. Relajense, ponganse auriculares, acuestense, y bienvenidos al limbo:

1. "Forever Heavy" – 4:16
2. "Jump into My Mouth and Breathe the Stardust" – 2:33
3. "Melt Me" – 2:22
4. "Lollipopsichord" – 1:32
5. "They Live in the Meadow" – 2:33
6. "Sun Lips" – 3:16
7. "Rollerdisco" – 2:34
8. "Neon Syrup for the Cemetery Sisters" – 2:52
9. "The Afternoon Turns Pink" – 2:37
10. "When the Sun Grows on Your Tongue" – 2:40
11. "Spinning Cotton Candy in a Shack Made of Shingles" – 3:11
12. "Drippy Eye" – 3:13
13. "Lost, Picking Flowers in the Woods" – 3:22
14. "Caterpillar House" – 1:58
15. "Wall of Gum" – 0:59
16. "Untitled Roadside Demo" – 3:34
17. "(Hidden Song)" – 3:10

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Diaco

Pearl Jam - Ten (1991)

2008-07-17T14:33:00.000-07:00

El álbum se convirtió en uno de los discos trascendentales en la escena musical norteamericana en la década de los noventa, equiparándose al efecto producido por el disco Nevermind de Nirvana, banda también salida de la escena de Seattle. Pearl Jam se volvió de la noche a la mañana, gracias a Ten, una de las bandas más exitosas de entre todas las surgidas en la ciudad de Seattle.
A mi criterio uno de los mejores discos de la década de los 90's, apredreada por tantos, amada por tan pocos. Ten de Pearl Jam, su album debut, uno de los mas controversiales para su época, junta en un disco temas desgarradoramente hermosos tanto como rockeros, una obra de arte digna del año 1991.

Once - 3:51
Even Flow - 4:53
Alive - 5:40
Why Go - 3:10
Black - 5:44
Jeremy - 5:19
Oceans - 2:41
Porch - 3:30
Garden - 4:58
Deep - 4:18
Release - 9:04

Even Flow en vivo.

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Saimon.

Pat Metheny Group - Still Life (Talking) (1987)

2008-06-04T08:45:00.000-07:00

Pat Metheny Group, banda de jazz clásico y jazz fusión creada en 1977. Es liderada por su guitarrista principal y de quien obtiene nombre la banda, Pat Metheny.
El grupo es rotativo. Esto significa que la banda tiene integrantes fijos o permanentes y miembros que rotan. En algunas ocasiones miembros rotativos se transforman en permanentes.
Por su filas han pasado Antonio Sánchez (Batería y Percusión) y el conocido bajista Argentino Pedro Aznar (Percusión, Voz, Coro, Bajo Eléctrico, Guitarra Acústica).

Los dejos con "So May It Secretly Begin" en vivo, el segundo tema del disco, instrumental y con una soberbia introducción de Metheny tocando una "Pikasso Guitar" (instrumento creado por la luthier canadiense Linda Manzer)

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1. Minuano (Six Eight) – 9:27
2. So May It Secretly Begin – 6:26
3. Last Train Home – 5:41
4. (It's Just) Talk – 6:17
5. Third Wind – 8:37
6. Distance – 2:45
7. In Her Family – 3:18

Gregory

Opeth - Damnation (2003)

2008-05-03T14:36:00.000-07:00

Opeth, la banda liderada por Mikael Åkerfeldt, es normalmente conocida por su mezcla de Death Metal con elementos tomados del rock progresivo. Un elemento característico es la transición frecuente entre la doble maza, voz gutural y distorsión a voces limpias y secciones acústicas, todo dentro del mismo tema.

Sin embargo, en Damnation dejan de lado la parte pesada para dar un disco calmo, casi acústico, donde se nota mucho la mano del productor Steven Wilson (cantante/guitarrista de Porcupine Tree). El aire melancólico del album es notable, y Åkerfeldt muestra que hay más en la vida que el metal.

Un discazo que nos muestra el lado calmo de Opeth, aca les dejo de muestra "In My Time of Need"

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1. Windowpane (7:45)
2. In My Time of Need (5:50)
3. Death Whispered a Lullaby (5:50)
4. Closure (5:16)
5. Hope Leaves (4:30)
6. To Rid the Disease (6:21)
7. Ending Credits (3:40)
8. Weakness (4:10)

Ulairion

Pain Of Salvation - Be (2004)

2008-04-25T20:01:00.000-07:00

Pain Of Salvation, una banda que me gusto desde el primer tema que escuche
Musicalmente. Una banda de metal progresivo que cumple con todas las características de tal, las guitarras y la dureza del heavy metal, frecuentes cambios de tiempo y diferentes tipos de amalgama, modo de la música, improvisaciones, una gran técnica por parte de los músicos, la aparición progresiva de instrumentos, líneas de bajo complejas, etc. Pain Of Salvation además mezcla con líneas de New Age, clásico y un toque de Jazz y en vivo son de los que se pueden pasar muchos minutos de improvisación espontánea con sus instrumentos para alegría del publico.
Lírica. El punto mas fuerte de estos pibes sin duda. Las letras de son, en general, muy buenas y muchas de ellas excelentes, cada disco tiene personalidad propia y conceptos diferentes. "Be" habla de la relación que establece el hombre con Dios y con si mismo. Conteniendo temas que plantean con simple sabiduría viejas preguntas fundamentales como “¿Quienes Somos?” o “¿Por qué estamos aquí?”. Haciendo ver, a trabes de palabras y sonidos, relaciones, pensamientos, falencias, sentimientos y preconceptos asumidos a los que no podemos escapar, ya sea en la mas habitual de la cotidianeidades o en la mas profunda de las introspecciones.
Muchos comparan a Pain Of Salvation con Pink Floyd en su mejor época (The Wall) por su nivel de emotividad, interacción con el escucha y repercusión sensorial que sus canciones producen. Algo que, en lo personal, me sucede bastante con este gran disco.

Los dejos con "Nihil Morari" en vivo, sacado "Be" en su versión Dvd, editado por la banda una año después en el 2005 :

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01 - Prologue - Animae Partus
02 - I. Animae Partus - Deus Nova
03 - I. Animae Partus - Imago
04 - I. Animae Partus - Pluvius Aestivus
05 - II. Machinassiah - Lilium Cruentus
06 - II. Machinassiah - Nauticus
07 - II. Machinassiah - Dea Pecuniae
08 - III. Machinageddon - Vocari Dei
09 - III. Machinageddon - Diffidentia
10 - III. Machinageddon - Nihil Morari
11 - IV. Machinauticus - Latericius Vaete
12 - IV. Machinauticus - Omni
13 - IV. Machinauticus - Iter Impius
14 - IV. Machinauticus - Marius Nauticus II
15 - V. Deus Nova Mobile - Animae Partus II

Gregory

Massacre - Mamut (2007)

2008-04-18T06:49:00.000-07:00

Entre todas las bandas mercantilistas de hoy día, surge (y cuando digo surge, lo digo en una forma completamente figurativa... estos muchachos están acá hace más de 20 años) una banda de las pocas que se pueden dar el lujo de llamarse "de culto". De las pocas que se autogestionaron a lo largo de toda su historia. Nada de "Managers" ni de "Marketing" ni nada. El voz en voz y la movida skater-surf-punk argentina fueron los que hicieron de Massacre la banda que es hoy.

Mamut es la última producción de los inauguradores del Skater Rock en Argentina. A diferencia de discos anteriores, Mamut tiene una producción mucho más dedicada y profunda. Muchos más arreglos, mayor calidad de sonido, y en mi sincera opinión, mayor calidad musical.

Realmente, este disco es un temón después de otro. No hay UN tema en todo el álbum que en mi opinión no sea digno de llamarse obra de arte. Metáforas impecablemente empleadas, lírica magistral, melodías pegadizas y emocionantes. Hacía MUCHO que no escuchaba un disco argentino con una calidad tan pero tan grande. Incluso el único cover del disco (Maggie May, del ícono del pop Rod Stewart) esta realizado de tal forma que se puede realmente apreciar el toque particular de la banda, sin perderse la magia del tema.

Y podría seguir hablando y hablando del disco, pero prefiero dejarlos con el video del primer corte de difusión del disco, La Reina de Marte:

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1. La Octava Maravilla (4:50)
2. Compulsión (4:15)
3. Estamos En Problemas (4:33)
4. La Orquídea Blanca (5:29)
5. Divorcio (4:20)
6. La Reina De Marte (3:55)
7. Vienen Zombies (4:05)
8. Clavos Y Globos (4:45)
9. Invasoras Amazonas (4:14)
10. Maggie May (2:34)
11. La Epidemia (3:52)
12. Resurrección (4:15)

Diaco

Mad Season - Above (1995)

2008-04-15T06:00:00.000-07:00

Sí, me dieron ganas de subir este disco, la próxima les subo el último de The Mars Volta (The Bedlam in Goliath).

Mad Season es una banda formada por el guitarrista de Pearl Jam (Mike McCready) en 1994, poco después de la grabación de Vitalogy.

Above fue el único disco que grabó este proyecto, si bien tuvo un éxito considerable teniendo en cuenta la poca propaganda y tiempo de vida de la misma. La banda murió oficialmente en 1998 junto con el bajista John Saunders (debido a su severa adicción a la heroina). Éste álbum podría definirse como una mezcla impecable entre grunge, blues y una pizca de jazz.

Les dejo River of Deceit, el tema que logró mayor difusión, en vivo:

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1. "Wake Up" – 7:38
2. "X-Ray Mind" – 5:12
3. "River of Deceit" – 5:04
4. "I'm Above" – 5:44
5. "Artificial Red" – 6:16
6. "Lifeless Dead" – 4:29
7. "I Don't Know Anything" – 5:01
8. "Long Gone Day" – 4:52
9. "November Hotel" – 7:08
10. "All Alone" – 4:12

Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota - La Mosca y La Sopa (1991)

2008-04-06T16:40:00.000-07:00

Si hablamos de Rock, en algún punto nos vamos a tener que hablar del Rock en Latinoamérica. Si hablamos de Rock en Latinoamérica, vamos a tener que hablar del Rock Argentino. Si hablamos de Rock Argentino, estamos hablando de Patricio Rey. Testigo de toda la historia del Rock Nacional, Patricio Rey fue sin dudas una gran porción del Alma Mater que empujó todas las expresiones del género en nuestro país. Una fuerza espíritual y casi metafísica del imaginario popular nacional, el sonido y poética de Patricio marcó a fuego la cultura Argentina, en sus más recónditos rincones, en cada lugar del país.

Un sonido clásico que nada tuvo que envidiarle a los grandes del Rock internacional, y hasta dejó a muchos muy chicos, se hace muy complicado seleccionar una sola obra de su extensa discografía. Todos los que somos oyentes ávidos de Los Redondos, sabemos que todos sus discos forman parte fundamental de un todo coherente y nunca hipócrita, y que realmente cada canción es un ladrillo sin el cual es castillo se caería. Por eso decidí hacerla corta y elegir el disco que más escucho yo y chamuyar una justificación, que tendrán el placer de leer abajo.

Para empezar, La Mosca y La Sopa tiene dos de los más grandes temas del Rock Nacional, y que todos conocemos y todos podemos agarrarnos de ellos: "Mi Perro Dinamita" y "Un Poco de Amor Francés", esto puede dar un punto de partida para aquellos que dentro de todo son legos en el tema de Los Redondos y escuchar clásicos en su viaje. Pero me gustaría destacar que este un disco particularmente ecléctico de Los Redondos, y así como cuenta con sus dos rockitos, tiene temas que te calan hasta los huesos por su poder y sus crescendos temerarios, que llevan hacia la explosión por el mero poder de la voz de El Indio ("Blues de la Artillería", "Salando Las Heridas", "Queso Ruso"). Tiene himnos como "El Pibe de Los Astilleros", delirios como "Fusilados por la Cruz Roja", y su balada: "Tarea Fina", un tema hermoso y melancólico.

Como es una constante en Los Redondos, sus temas son acertijos dentro de acertijos, que dejan un dejo de sentido, un sentimiento de haber absorbido el espíritu de la poética y el sonido del tema, pero en casi ningún caso se puede hablar de comprender el "Verdadero Significado" de un tema de Los Redondos. Es aquí donde reside el misterio fundacional de la base, su dogma.

Los dejo en compañía de pibes que pasaron unos meses en caseros, lideres dealers sin freno, perros que no obedecen, chicas de las mejores (la linda damita de concordia, una que tiene un defecto o dos, y la de las piernas más bonitas), Robocops sin ley y marines de los mandarines.

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1. Toxi taxi
2. Fusilados por la Cruz Roja
3. Un poco de amor frances
4. Mi perro dinamita
5. Blues de la artilleria
6. Tarea fina
7. El pibe de los astilleros
8. Nueva Roma
9. Salando las heridas
10. Queso ruso

Zwan - Mary Star Of The Sea (2003)

2008-03-28T18:48:00.000-07:00

Luego de la separación de los Smashing Pumpkins, Billy Corgan y Jimmy Chamberlin deciden unir fuerzas con Matt Sweeney (Chavez y Skunk) y conforman Zwan. La formación de la banda luego seria completada con Paz Lenchantin (A Perfect Circle) en bajo y coros y David Pajo (Slint) en guitarra.
Este nuevo proyecto duraría poco, en 2003 sacan su primer y único disco : “Mary Star Of The Sea” que fue acompañado mas tarde por los singles “Honesly” y “Lyric”.
Este disco es una unión perfecta de géneros que varían desde el Indie hasta el Rock Alternativo, con unos leven toques de progresivo y metal en algunas canciones. La particular voz de Corgan junto con los coros limpios de Paz le dan a las letras un estilo muy particular, la batería y las combinaciones de solos y bases de sus 3 guitarras hacen que, a pesar de tener temas con tiempos lentos, ninguno resulte aburrido en ningún momento.
El disco tuvo la participación de la violonchelista Ana Lenchantin (hermana de la bajista) para la canción Of a Broken Heart.
En resumen, este disco refleja una banda que prometía mucho y que, lamentablemente, duro poco.

Los dejo con “Jesus. I Mary, Star Of The Sea” en vivo. Excelente tema con una parte instrumental bien extensa, una letra excelente y arreglos geniales :

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1 Lyric (3:17)
2 Settle Down (5:25)
3 Declarations of Faith (4:17)
4 Honestly (3:45)
5 Sol (3:38)
6 Of a Broken Heart (3:54)
7 Ride a Black Swan (4:53)
8 Heartsong (3:08)
9 Endless Summer (4:22)
10 Baby Let's Rock! (3:41)
11 Yeah! (3:06)
12 Desire (4:14)
13 Jesus. I Mary, Star of the Sea (14:04)
14 Come With Me (4:00)

Gregory

The Mars Volta - Amputechture (2006)

2008-03-26T07:30:00.000-07:00

Tercer disco de The Mars Volta, puesto a la venta en el 2006 y nuevamente producido por Omar Rodríguez.

Este es el primer disco de TMV que no sigue una narrativa a lo largo de todo el disco. Cada tema tiene sus propias referencias, su propia historia, y su propio sentido. A pesar de esto, el disco sí intenta desarrollar un concepto. Habla sobre la relación entre el hombre y Dios, adorarlo o tenerle miedo.

La palabra "Amputechture" no tiene un significado específico, sino que es una palabra que acompañó a la banda a lo largo de su historia como una especie de código interno. La palabra supuestamente fue ideada por Michael Ward (ex-sonidista de TMV, que había muerto 3 años atrás, provocando que Cedric Bixler Zavala y Omar Rodríguez dejaran los Opios).

Esta placa contiene temas más tranquilos, menos caóticos (con la excepción de Viscera Eyes y Day of the Baphomets, en mi opinión una de las masterpieces de TMV) y altamente cargados con instrumentos de viento y sintetizaadores, mucho más que cualquiera de los dos discos anteriores.

En definitiva, un disco sólido sin nada que envidiarles a los dos anteriores, donde se ve como el estilo de TMV se va renovando y fluctuando de disco a disco.

Les dejo para escuchar un fragmento de Viscera Eyes en vivo:

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1. "Vicarious Atonement" – 7:19
2. "Tetragrammaton" – 16:41
3. "Vermicide" – 4:15
4. "Meccamputechture" – 11:02
5. "Asilos Magdalena" – 6:34
6. "Viscera Eyes" – 9:23
7. "Day of the Baphomets" – 11:56
8. "El Ciervo Vulnerado" – 8:50

Diaco

The Who - Who's Next (1971)

2008-03-22T16:02:00.000-07:00

El álbum fue reconocido de inmediato por un sonido dinámico. De forma fortuita, se desarrolló en una época que introdujo novedosos avances tecnológicos como la invención, pocos años antes, del sintetizador. El resultado fue un sonido absolutamente novedoso para aquella época y que sentó un precedente en la música rock.
Townshend usaría los primeros sintetizadores y sonidos de teclados modificados de numerosas formas: como efectos de zumbido en numerosas canciones, notablemente en "Baba O'Riley" y "Won't Get Fooled Again", o como matraca musical en temas como "The Song is Over". Asimismo, Townshend modularía el espectro de su guitarra en "Going Mobile", dando un distintivo sonido que degeneraría en un ruido burbujeante al final del tema.
El álbum abría con el innovador "Baba O'Riley", que incluía un piano interpretado por Townshend y un violín de Dave Arbus. Titulado en honor del gurú de Townshend, Meher Baba, y del compositor Terry Riley, el tema uniría la experimentación primeriza de Townshend con los sintetizadores y el sonido hard rock tradicional del grupo. Otros temas remarcables y reconocidos son la balada "Behind Blue Eyes" y la épica "Won't Get Fooled Again". Tuvo un reedición con el agregado de 7 nuevos temas en 1996.

Acá les dejo "Behind Blue Eyes" en vivo :

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"Baba O'Riley" - 5:00
"Bargain" - 5:33
"Love Ain't for Keeping" - 2:12
"My Wife" (Entwistle) - 3:41
"The Song Is Over" - 6:16
"Getting in Tune" - 4:50
"Going Mobile" - 3:42
"Behind Blue Eyes" - 3:42
"Won't Get Fooled Again" - 8:32

Gregory

Steve Vai - Alien Love Secrets (1995)

2008-03-20T16:10:00.000-07:00

Alien Love Secrets
Este disco fue compuesto, arreglado, producido y grabado por Steve en el lapso de seis semanas. Se trata de un CD instrumental integrado por siete temas, en plan Rock. Este álbum fue lanzado centralmente para saciar las ansias de los fans que veían cómo el gran proyecto "Fire Coma" (luego convertido en el CD Fire Garden) se retrasaba continuamente. Por esta razón la estructura es quizás más simple que en álbumes anteriores: sólo batería, bajo, guitarra y unos pequeños pasajes de teclados.
7 temas concisos, pegadores, duros, fuertes, experimentales, con sonidos nuevos y viejos, una amalgama de new age con old school, el sonido del disco es espectacular, para fans y no tan fans del virtuosismo, bajelonnnnn que esta requete piola.

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"Bad Horsie" – 5:51
"Juice" – 3:44
"Die to Live" – 3:53
"The Boy from Seattle" – 5:04
"Ya-Yo Gakk" – 2:52
"Kill the Guy with the Ball/The God Eaters" – 7:02
"Tender Surrender" – 5:03

Saimon

Broken Social Scene - Broken Social Scene (2005)

2008-03-19T09:44:00.000-07:00

BSS es una banda indie de Toronto, que a primera vista se destaca por algo tan simple como tener a más de una docena de tipos arriba del escenario (olvidate de verlos en un lugar chico). Esto lleva a que su música presente una gran variedad de voces e instrumenots superpuestos, los cuales lejos de anularse se complementan mutuamente dando como resultado un sonido por momentos caótico y sin embargo sin desentonar nunca.

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"Our Faces Split the Coast in Half" – 3:42
"Ibi Dreams of Pavement (A Better Day)" – 4:27
"7/4 (Shoreline)" – 4:53
"Finish Your Collapse and Stay for Breakfast" – 1:24
"Major Label Debut" – 4:28
"Fire Eye'd Boy" – 3:59
"Windsurfing Nation" – 4:36
"Swimmers" – 2:55
"Hotel" – 4:35
"Handjobs for the Holidays" – 4:39
"Superconnected" – 5:39
"Bandwitch" – 6:58
"Tremoloa Debut" – 0:59
"It's All Gonna Break" – 9:55

Ulairion

The Mars Volta - Frances the Mute (2005)

2008-03-17T06:09:00.000-07:00

Siguiendo lo que prometí en mi entrada anterior, acá está el segundo álbum de The Mars Volta.

Frances the Mute, puesto a la venta el primero de marzo del 2005 a la medianoche, es un disco que se diferencia bastante de De-Loused in Comatorium. Es un disco mucho más psicodélico (en parte por el cambio de productor, antes era Rick Rubin, ahora es Omar Rodríguez-López, guitarrista de la banda), con largos interludios instrumentales, sintetizadores, compases irregulares (hay movimientos en 29/16, por ejemplo) y música ambiental. También en varios de los temas hay fragmentos cantados en español (los principales integrantes de la banda son originarios del sur estado unidense, y Omar Rodríguez-López es puertorriqueño) e influencias latinas (especialmente presentes en L'Via L'Viaquez).

Como podrán ver más abajo, la lista de temas es corta. El disco está compuesto por sólamente 5 temas. Claro que viéndolo más de cerca, son 4 temas de 15 minutos y uno de 32. A su vez, éstos temas están divididos en movimientos (listados bajo cada tema, en la lista), ya que todos los temas van variando notablemente de momento a momento.

En esta placa también contaron con la ayuda de los Red Hot Chili Peppers, más específicamente de Flea y de John Frusciante (y no será la última vez que lo hagan). Flea participa tocando la trompeta en "The Widow" y en "L'Via L'Viaquez", y John compone y toca el riff inicial y el solo de "L'Via L'Viaquez".

Les dejo el video oficial de L'Via L'Viaquez, aunque por desgracia para poder adaptarla a un video de este estilo tuvieron que acortar el tema. Les recomiendo que escuchen la versión del disco, esta es sólo para que tengan un pantallazo de la maravilla que es este tema:

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1. "Cygnus....Vismund Cygnus1" – 13:02
* "Sarcophagi"
* "Umbilical Syllables"
* "Facilis Descenus Averni"
* "Con Safo"
2. "The Widow" – 5:51
3. "L'Via L'Viaquez3" – 12:22
4. "Miranda That Ghost Just Isn't Holy Anymore" – 13:10
* "Vade Mecum"
* "Pour Another Icepick"
* "Pisacis (Phra-Men-Ma)"
* "Con Safo"
5. "Cassandra Gemini5" – 32:32
* "Tarantism"
* "Plant a Nail in the Navel Stream"
* "Faminepulse"
* "Multiple Spouse Wounds"
* "Sarcophagi"

Diaco

Apocalyptica - Reflections (2003)

2008-03-12T12:22:00.000-07:00

Fueron pioneros en su época al hacer covers de Metallica y otros temas de Metal con sus chelos. De formación clásica recibidos de la Sibelius Academy, Apocalyptica demostró no solo su talento sino tambien su increíble versatilidad.
Reflections del 2003 es la primera de sus, luego muchas, nuevas innovaciones en la que los 4 violonchelistas finlandeses rompen con su propio molde. En primer lugar es el primer album, de principio a fin, con temas 100 % propios compuestos por la banda, sin ningún cover.
Además de esto también es el primero de sus trabajos en el que es agregada una batería en la formación del grupo, presente de aquí en adelante, dándole mucha mas fuerza a sus canciones. La adición de este instrumento llego, en un principio, de la mano de Dave Lombardo (Slayer) que luego, para su album recopilatorio homónimo “Apocalyptica” del 2005, es remplazado por Mikko Sirén, baterista formal de la banda hasta el día de hoy

"Somewhere Around Nothing". En mi opinión, el mejor tema del Disco, en donde la batería se luce especialmente. Acá se los dejo en vivo :

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01. Prologue (Apprehension)
02. No Education
03. Faraway
04. Somewhere Around Nothing
05. Drive
06. Cohkka
07. Conclusion
08. Resurrection
09. Heat
10. Cortège
11. Pandemonium
12. Toreador II
13. Epilogue (Relief)
14. Seemann (album version)
15. Faraway Vol.2 (extended version)
16. Delusion
17. Perdition
18. Leave Me Alone

Gregory

The Mars Volta - De-Loused in Comatorium (2003)

2008-03-11T06:23:00.000-07:00

The Mars Volta es, por lejos, de las mejores bandas que he escuchado en mi existencia. Esta en mi podio personal junto a Led Zeppelin. Y tal vez todos ustedes old schoolers que lean esto me quieran linchar por poner a CUALQUIERA en el nivel de Led Zeppelin... pero seguramente si quieren lincharme es porque todavía no escucharon a esta banda que supo cambiar la perspectiva en que veo la música desde el momento en que la escuché por primera vez.

Mis próximos 4 updates (contando este) van a consistir en toda la discografía de esta increíble banda.

Empecemos por el principio. De-Loused in Comatorium es el primer album de The Mars Volta (TMV de ahora en más para abreviar), sin contar el EP Tremulant. Este primer disco es el más... tranquilo de los 4. Con esto me refiero a que es el más fácil de escuchar. Ya van a entender a lo que me refiero cuando escuchen los demás discos.

Este disco es el único que no fue producido por Omar Rodríguez (guitarrista de la banda). En cambio, fue producido por Rick Rubin (que trabajó con los Beastie Boys, los Red Hot Chili Peppers y muchos más). Se nota claramente las influencias del rock y el pop en este disco, que ayuda a apaciguar un poco las ansias psicodélicas del resto de los integrantes de la banda. El resultado de la mezcla entre el historial de Rick Rubin y las locuras acídicas de TMV fue una placa con canciones de una continuidad estable y tracks bien divididas (tiene bastantes más temas que los 2 discos siguientes, y de menor duración), y sin embargo, cada tema tiene una carga de abstracción y locura palpable desde el minuto uno y se mantiene durante todo el disco.

Cabe aclarar que esta fue una de las primeras formaciones de TMV, y que en el momento de grabar el disco no tenían bajista. Por lo tanto, Flea (bajista de Red Hot Chili Peppers, banda con la cual mantienen una cercana amistad) grabó 9 de los 11 temas del disco.

De-Loused in Comatorium cuenta la historia de un trip inducido por la droga de un tal Cerpin Taxt (alter ego de Julio Venegas, amigo fallecido de los integrantes de TMV). Letras muy obscuras, tanto así que suenan casi ilógicas al oído poco entrenado... pero luego de escucharlas repetidas veces, poco a poco lo que antes parecían palabras sueltas casi incoherentes empiezan a tener un sentido que antes parecía no existir.

Podría decirles mucho más de esta banda... MUCHO más. Pero prefiero que lo vean por ustedes mismos, porque ya estoy escribiendo más de lo que probablemente estén dispuestos a leer. Con lo que sí los voy a dejar es con un video en vivo, porque TMV en vivo es realmente un espectaculo impactante. Esto es Son Et Lumiere e Inertiatic ESP seguidos:

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# "Son et Lumière" – 1:35
# "Inertiatic ESP" – 4:24
# "Roulette Dares (The Haunt Of)" – 7:31
# "Tira Me a las Arañas" – 1:29
# "Drunkship of Lanterns" – 7:06
# "Eriatarka" – 6:20
# "Cicatriz ESP" – 12:29
# "This Apparatus Must Be Unearthed" – 4:58
# "Televators" – 6:19
# "Take the Veil Cerpin Taxt" – 8:42
# "Ambuletz" – 7:03

Diaco

Porcupine Tree - Fear of a Blank Planet (2007)

2008-03-10T11:22:00.000-07:00

2007 fue un año consagratorio para la banda liderada por Steven Wilson. Lo que en un momento comenzara como un proyecto solista enmascarado como un grupo ficticio de los 70, hoy es una de las bandas más importantes de la escena progresiva de la década, recibió una nominación al Grammy, fue elegida como banda de la década por la Dutch Progressive Rock Page, y FoaBP fue elegido como disco del año por el Progressive Rock Hall of Fame.

El disco abarca una misma temática desde sus letras, en este caso "lograr ponerse de acuerdo con la tecnología informática y el siglo 21", visto desde la perspectiva de un flaco de entre 10 y 15 años terminalmente aburrido, alienado por la TV, internet, y las drogas de prescripción. Esta mirada por momentos gris y triste es acompañada por seis temas que fluyen armoniosamente, pasando de la pesada introducción a los momentos calmos de manera impecable.

La música abarca una gran variedad de animos, desde lo oscuro a lo frenético a veces en el mismo tema, como en el épico Anesthetize. Caben destacar además las colaboraciones de Robert Fripp y Alex Lifeson para redondear el noveno disco de estudio de Porcupine Tree, sin duda de los mejor que han hecho hasta ahora.

Fear of a Blank Planet – 7:28
My Ashes – 5:07
Anesthetize – 17:42
Sentimental – 5:26
Way Out of Here – 7:37
Sleep Together – 7:28

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Ulairion

Bad Religion - Recipe For Hate (1993)

2008-03-07T18:42:00.000-08:00

Recipe for Hate constituye una muestra más del enorme talento como compositores del dúo formado por Greg Graffin y Brett Gurewitz. Supone un paso más en la evolución del grupo, siendo su disco más variado hasta la fecha, lo que chocó inicialmente entre los fans más puristas de la banda. Aún así, nadie puede discutir que se trata de un disco plagado de canciones magistrales, donde destaca la colaboración de uno de los fans más ilustres de Bad Religion, el vocalista de Pearl Jam Eddie Vedder, que canta algunas estrofas en Watch It Die. El disco se abre con el tema que da título al disco, Recipe for Hate, un auténtico clásico que no suele faltar en sus conciertos. American Jesus es probablemente la canción más famosa del disco, un típico himno con el sello personal del grupo. El nivel de las canciones es altísimo, con grandes temas más relajados de lo habitual como Man With a Mission o Struck a Nerve, y otros en la línea habitual del grupo, como la genial Skyscraper, donde el grupo nos deleita enlazando un estribillo tras otro, demostrando una vez más que a la hora de crear mágicas melodías no tienen rival alguno. Otro tema de altísimo nivel es Don't Pray on Me ("No recéis por mí", en español) donde la melódica voz de Greg Graffin y la magnífica voz de Brett Gurewitz consiguen hacer una canción que --pese a ser muy poco conocida, ya que nunca la han tocado en directo-- los fans adoran. La popularidad del grupo iba en aumento disco a disco, y Recipe for Hate sería la última entrega de su primera etapa para Epitaph, antes del salto a una multinacional, lo que desencadenaría una fuerte controversia y la posterior marcha de Mr Brett.

Aca los dejo con "American Jesus" en vivo :

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1. Recipe for Hate
2. Kerosene
3. American Jesus
4. Portrait Of Authority
5. Man With A Mission
6. All Good Soldiers
7. Watch It Die
8. Struck A Nerve
9. My Poor Friend Me
10. Lookin' In
11. Don't Pray On Me
12. Modern Day Catastophists
13. Skyscraper
14. Stealth

Gregory

Fantômas - The directors Cut (2001)

2008-03-06T16:04:00.000-08:00

Fantômas nació de la maqueta que hizo Mike Patton llamada Diabolik en 1998. El nombre Fantômas proviene de un anti-héroe francés que cometía crímenes horrorosos: por ejemplo se metía a una perfumería de moda y cambiaba el contenido de las fragancias por ácido, así que todos morían descarnados al primer rocío de la fragancia. Era un terrorista y un genio del disfraz.

En 1999 salió su primer disco, conocido como Amenaza al mundo, aunque tiene el nombre del grupo. Este sorprendente Cd se caracteriza por la rapidez de las canciones de más o menos 1 minuto de duración, y por el hecho de que su cantante no pronuncia ni una sola palabra de ningún idioma.
Gruñen las capas expuestas de la atmósfera, se localizan al interior gravitatorio de extraterrestres, confirmando el dolor en la hierba nueva, y futura... nos enseñan fronteras experimentales del metal-cerebral, intoxicados de experiencia, brevemente le enseñan la sangre coagulada al publico, levantan en cataclismo intensificando las obras creadas originalmente para grandes películas, caricaturas cinéfilas adictivas, declaran oscuras ditorsiones al ambiente, siguen gruñendo para cambiar la dirección del viento negro, al fin, para una eternidad de comienzos delirantes, The director's Cut, nos ofrece una amplia gama de neurosis, psicosis y un poco de pánico para ejercitar un poco nuestro cerebro.

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Pink Floyd - The Complete Zabriskie Point Sessions (1970)

2008-03-05T10:30:00.000-08:00

"Zabriskie Point" es una película de 1970 filmada por Michelangelo Antonioni. La banda de sonido de dicha película cuenta con las colaboraciones de, entre otros, Pink Floyd, Grateful Dead y Jerry García. Sin embargo, lo que nos ocupa es otra cosa.

Pink Floyd grabó varías canciones para la banda de sonido, sin embargo la mayoría fueron descartadas por Antonioni, que las consideraba demasiado lentas o demasiado tristes. Mostrandose difícil de complacer, solo tres canciones fueron aceptadas dentro de la banda sonora. El resto se encuentra en esta compilación no oficial.

"The Complete Zabriskie Point Sessions" es un disco interesante por diversos motivos. Por un lado, muchas de las melodías aquí presentes volveran a ser presentes en otros discos de Floyd: cabe destacar que "Violent Sequence" sería luego "Us and Them" en la obra maestra de Pink Floyd "Dark Side of the Moon". Por otro lado, este disco tambien permite ver la transición de la banda entre el sonido experimental de "Ummaguma" al estilo más estable pero no por ello menos innovador de DSOTM y los discos que lo sigueron.

1. Rain In The Country (Take One) (6:44)
2. The Violent Sequence (Take One) (6:06)
3. The Red Queen Theme (Take One) (2:05)
4. Fingal`s Cave (Take One) (6:43)
5. Theme (Take Two) (1:19)
6. Rain In The Country (Take Two) (1:45)
7. Love Scene (Take One) (6:44)
8. Love Scene (Take Two) (6:37)
9. Blues Scene (Take One) (7:11)
10. Fingal`s Cave (Take Two) (6:21)
11. Love Scene (Take Three) (1:02)
12. Love Scene (Take Four) (7:36)
13. The Red Queen Theme (Take Two) (5:45)
14. Crumbling Land (Take One) (5:01)
15. Unknown Song (Take One) (5:54)

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Ulairion

Andy McKee - The Art of Motion (2005)

2008-03-04T05:50:00.000-08:00

Andy McKee (Nacido en Kansas) es un guitarrista que se dedica por sobre todas las cosas a explotar técnicas de guitarra criolla poco convencionales, como ser ciertos estilos de tapping, slides, slaps, etc. También se lo ve usando bastante seguido una Harpguitar (en temas como "Into the Ocean", "The Friend I Never Met", "The Gates of Gnomeria" y varios más).

Andy McKee salto a la fama monumentalmente en el 2006, cuando subió a YouTube el video de su tema "Drifting" (y que pueden ver más abajo). El video al día de hoy tiene casi 12.000.000 de visitas (Aproximadamente el doble de la población de un país pequeño, como para que aprecien el número... es el triple de la poblacion del Líbano, por ejemplo).

A los 22 años de edad salió tercero en la Competencia Nacional de Fingerstyle, siendo el hombre más jóven que haya calificado en el podio de la competencia en la historia de la misma, y continuó participando en estas competencias siempre logrando quedar en el podio.

El disco Art of Motion es su tercer placa y la más difundida de las cuatro que tiene hasta el momento (Siendo "Gates of Gnomeria" la última, lanzada en el 2007). Este disco es armónico como pocos. El estilo de McKee, completamente particular, hace que si bien todos los temas son sólo una guitarra criolla sin ningún otro instrumento, nunca se sienta ningún tipo de vacío. Al aplicar tapping, suele tocar las melodías con una mano mientras toca los bajos con la otra, o convinando los sonidos de la guitarra con percusiones (que él mismo hace contra la misma) y con el harpa de su harpguitar.

Las influencias de su estado de nacimiento se hacen evidentes, ya que el disco es principalmente Folk, pero un Folk bastante accesible y desplegado de tal manera que es posible disfrutarlo incluso si no se es muy afín al género.

Me despido dejandoles el video de Drifting:

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1 "Art of Motion" 3:25
2 "When She Cries" 3:35
3 "Drifting" 3:11
4 "For My Father" 3:55
5 "Practice Is Perfect" 2:59
6 "Shanghai" 4:14
7 "Into The Ocean" 3:52
8 "Nocturne" 3:13
9 "Heather's Song" 3:24
10 "Samus' Stardrive" 2:41
11 "Keys To The Hovercar" 3:48
12 "Rylynn" 5:13

John Frusciante - Inside Of Emptiness - 2004

2008-03-03T09:31:00.000-08:00

John Frusciante es el guitarrista actual de los Red Hot Chili Peppers, pero adicionalmente tiene una prolífica carrera como solista. Su discografía abarca unos 8 discos, todos absolutamente diferentes uno del otro, todos de un caracter exploratorio y experimental. Su placa más clásicamente rockera es "Inside Of Emptiness", posteada hoy en SonidoLibre.

El disco es muy abarcativo, y cubre todas las tendencias rockeras de Frusciante. Desde temas pesados de guitarras rifferisimas: What I Saw, Emptiness, 666 particularmente. Baladas melancólicas que hacen un uso magistral del falsetto de John: The World's Edge, I'm Around, Interior Two. Hay un par de temas algo inclasificables, de tendencia suave y letras melancólicas como son Inside a Break y A Firm Kick.

No quiero destacar ningún track en particular, ya que todas son canciones excelentes. Si quiero destacar que en esta placa Frusciante despliega todo su potencial: Tanto como compositor (Las letras son excelentes), guitarrista de rock y cantante, siendo esto último las perlas del disco. Los "moods" de los temas están excelentemente dirigidos por la convesración y empatía constante entre la voz de John y su guitarra (Particularmente expresado en el estribo de 666).

Los dejo con esta maravillosa joya del Rock, con un feel de "Vieja Escuela" combinado con una actualidad, una frescura y una genialidad de la que Frusciante no puede escapar. Su talento sobrevivio sus adicciones, sus comas, sus muertes, y volvió más fuerte cada vez. Para los que dicen que el rock murió, Frusciante les calla la boca.

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"What I Saw" – 4:00
"The World's Edge" – 2:34
"Inside a Break" – 3:07
"A Firm Kick" – 4:33
"Look On" – 6:10
"Emptiness" – 3:34
"I'm Around" – 3:49
"666" – 4:53
"Interior Two" – 2:27
"Scratches" – 4:19

Children Of Bodom - Hatebreeder (1999)

2008-03-02T12:21:00.000-08:00

Children of Bodom. Procedente de la ciudad de Espoo, Finlandia. Su clasificación dentro de un género concreto es objeto de controversia y debate entre la crítica y los fans. Podría considerarse parte de diversos géneros, como el Power Metal, Death Metal, Heavy Metal y el Spead Metal. Sin embargo la mayoría coincide en denominarlos dentro del Sub-Genero “Death Metal Melódico”. Alexi Laiho, vocalista y miembro fundador de la banda rechaza estas etiquetas y prefiere que sean considerados sencillamente un grupo de Metal. alegando : “Cada banda crea su propia etiqueta o estilo de música, o lo que sea. Yo sencillamente lo llamo Metal, y nada más".
En su día sorprendieron con su disco "Something Wild" (1997) por su virtuosismo y sus grandes temas a pesar tener tan sólo 18 años.
Su música contiene elementos variados, como voces rasgadas y riffs auténticamente Death/Thrash, una gran influencia melódica de la música neo-clásica y con elementos electrónicos.
Antes de ser conocida como Children of Bodom fue llamada Inearthed. El actual nombre proviene de un célebre crimen, aún sin resolver, ocurrido en el Lago Bodom (Lake Bodom) en Finlandia en los años 60; cuando un atacante desconocido asesinó a puñaladas a cuatro jóvenes en medio de la noche.
Children tiene, en mi opinión, lo mejor de todos los mundos. La fuerza del Thrash, la velocidad del Speed (valga la redundancia), la calidad del Power y el Heavy y la actitud del Death. Las guitarras y los teclados son la base de sus temas y el sonido que crean tanto en sincronización como por separado es simplemente genial. La batería es excelente, tanto en velocidad como en fuerza y precisión. El bajo cumple, no se luce en demasía pero es capaz de hacer cosas interesantes cuando se lo requiere (ver "Warheart"). Tanto como banda, como individualmente los miembros son músicos sobresalientes. La combinación de todas estas cosas mezcladas con la voz (thrashera si y mucho, pero muy buena.) hace que esta sea una de las bandas de lo mejor que escuche en los últimos años.
Lírica. Así como, musicalmente, Children no es una banda Death o Thrash 100% (sino que tiene un tinte melódico), las letras tampoco lo son. Si bien están presentes conceptos típicos del genero como las emociones profundas en general, la violencia en todas sus formas y las historias de autodestrucción se hacen presentes desde un enfoque diferente, con una mayor variedad recursos en general, mas metafórico, con letras que hacen uso de las analogías e historias cortas.
Hatebreeder hace justicia al famoso adagio de la música que dice que tu segundo trabajo debe estar a la altura del primero o superarla para terminar de “afianzarte” como artista y demostrar que tu existo es merecido y no solo fue suerte de principiante.

Si quieren probar un tema antes de bajar el disco entero, recomiendo que escuchen : “Silent Night, Bodom Night”, canción que habla, justamente, sobre el crimen sin resolver que le da nombre a la banda. Acá se los dejo en vivo :

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1. Warheart
2. Silent Night, Bodom Night
3. Hatebreeder
4. Bed Of Razors
5. Cowards Dead End
6. Black Widow
7. Wrath Within
8. Children Of Bodom
9. Downfall

Gregory

Nanowar - Other Bands Play, Nanowar Gay! (2005)

2008-03-01T08:14:00.000-08:00

Nanowar es una banda italiana de Metal, surgida en 2003, cuya música parodia a la bandas metaleras que se toman demasiado en serio a si mismas (digamos, casi todas). En su repertorio cuentan tanto con temas propios como con covers de algunos clásicos metaleros, como ser "The Number of the Bitch" parodiando al conocido tema de Iron Maiden. En octubre del 2006 la banda cambio su nombre a Nanowar of Steel para representar mejor el "poder del poder del poder del verdadero metal de acero" de la banda y parodiando el cambio de nombre de Rhapsody que por problemas legales tuvo que pasar a ser Rhapsody of Fire.

En definitiva, si bien no seran la mejor banda de metal, son indudablemente los más graciosos, y eso vale por mucho. En la página de la banda pueden encontrar las letras de los temas y varios mp3s gratuitos (les recomiendo bajar Emerald Fork)

01- Intrue
02- Tricycles of Steel
03- True Metal of the World (Ah-Ah)
04- Burger
05- King
06- Introducing the Power (Potentia Magni Gladi Vobis)
07- Power Of The Power Of The Power (Of The Great Sword)
08- Pino
09- Metal-La-La-La
10- Gioca True' (Other Bands Play, Nanowar Gay)
11- The Number Of The Bitch
12- Entra L'Uomo di Sabbia
13- Triumphant March of the Nano-Warrior
14- Outrue

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Ulairion

Jane's Addiction - Ritual de lo habitual (1990)

2008-02-29T04:23:00.000-08:00

Jane's Addiction fue una banda de rock de Los Angeles, California, formada en los 80's por: Perry Farrell, Dave Navarro, Eric Avery y Stephen Perkins.
Se les considera uno de los pilares del rock alternativo, y un avance de lo que representarían los 90's en la música. A pesar de ser un grupo formado en los '80, y que desarrollan la mayor parte de su carrera en esta década, a Jane's Addiction se los coloca habitualmente en el saco de los grupos de los '90, porque encajan perfectamente en el espíritu de la década.
Coinciden en la misma época y ciudad que Red hot chili peppers que intentan dar un concepto nuevo al rock, mezclandolo con el funk y con el rap.
Musicalmente parten de propuestas muy líricas, a las que añaden una agresividad intelectual; las guitarras de Navarro son intensas pero limpias. La voz de Farrell es potente y amenazadora, pero no está exenta de dulzura. Las líneas de bajo de Eric Avery son hipnóticas, y a menudo su música tiene un toque atmosférico, y Stephen Perkins marca de buena manera los ritmos.
Asi el Ritual de lo habitual cumple con todos los requisitos de un disco introspectivo, experimental, rockero y divertido.

Espero que les haya gustado.

Lionel Campoy

"Stop!" – 4:14
"No One's Leaving" – 3:01
"Ain't No Right" – 3:34
"Obvious" – 5:55
"Been Caught Stealing" – 3:34
"Three Days" – 10:48
"Then She Did..." – 8:18
"Of Course" – 7:02
"Classic Girl" – 5:07

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Wolfmother - Wolfmother (2005)

2008-02-28T06:16:00.001-08:00

Comprate una olla de METAL. Metele adentro un balde de Led Zeppelin, una botella de Deep Purple, y un buen pedazo de AC/DC, mezclalo freneticamente hasta que se forme una pasta que exhude un vapor con un olor inconfundible a rock. Ahora tenes algo muy parecido a Wolfmother.

Hace mucho que no escuchaba una banda que la rompiera tanto. Estos muchachos son definitivamente una de las mejores cosas que hayan salido jamas de Australia (comparten la cima con Silverchair y Steve Irwin). La amalgama de sonidos de la que hablé al principio de este post, termina generando un sonido inconfundiblemente Stoner, pero con influencias setentosas de la pesada del rock inglés, que la transforman en una banda predominantemente de Hard Rock.

El cantante (Andrew Stockdale) tiene un timbre de voz muy similar a la de Cedric Bixler (The Mars Volta/At The Drive In), y en menor medida, a Robert Plant. Su voz suele acompañar el descontrol y el paso rapido y atolondrado de las canciones con sus chillidos agudos, que llegan a resgistros sorprendentemente altos. Otro punto que tiene en comun con Cedric, es la gran porra que tiene alla arriba... casualidad o homenaje? que se yo...

En fin, aca les dejo un temita en vivo:

Es bastante interesante cómo el bajista va alternando entre el bajo y el teclado según la canción o el punto de las mismas... le da una variedad muy interesante para ser una formacióin de trío.

En conclusion, Wolfmother tiene un sonido solido, con riffs de guitarras que son repetitivamente explosivos, muchisimo power, un cantante que la rompe y unos vivos increibles. Realmente, se esta transformando en una de mis bandas favoritas, y ya estoy rezando porque algun dia si dios quiere pisen suelo argento.

Saludos a todos

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Lista de tracks:

1. "Colossal" – 5:02
2. "Woman" – 2:55
3. "White Unicorn" – 5:01
4. "Pyramid" – 4:28
5. "Mind's Eye" – 4:53
6. "Joker & the Thief" – 4:39
7. "Dimension" – 4:25
8. "Where Eagles Have Been" – 5:33
9. "Apple Tree" – 3:28
10. "Tales from the Forest of Gnomes" – 3:36
11. "Witchcraft" – 3:25
12. "Vagabond" – 3:52

Diaco

Kyuss - Blues For The Red Sun - 1992

2008-02-26T19:24:00.000-08:00

Grabado en 1992, "Blues For The Red Sun" fue un album pilar del Stoner Rock. La banda se había cambiado recientemente el nombre a Kyuss (antes se llamaban "Sons of Kyuss"). La banda californiana formaba parte de un movimiento cuya principal costumbre era tomar un grupo de autos, el equipo fundamental, unos generadores de electricidad a nafta, y hacer recitales improvisados en el desierto (son originarios de Palm Desert). El disco Blues For The Red Sun es poderoso en su totalidad. El estilo está definido por repentinos cambios entre ritmos lentos y casi hipnóticos a ritmos y cadencias característicos del punk y el hard rock, con intensidades altísimas de bajos y guitarras altamente distorsionadas (El guitarrista principal afinaba su guitarra un tono más abajo, al menos en mi tema favorito del disco: Green Machine). Las letras eran escritas por toda la banda, y estaban expresadas por la poderosísima voz de John García en su mejor momento (De nuevo, inolvidable su expresividad en Green Machine). Los temas clave son: Thumb, Green Machine, 50 Million Year Trip, Thong Song y Freedom Run.

Inolvidable.

Los dejo con Green Machine en el videíto.

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"Thumb" (Brant Bjork/Josh Homme) – 4:41
"Green Machine" (Brant Bjork) – 3:38
"Molten Universe" (John Garcia/Josh Homme) – 2:49
"50 Million Year Trip (Downside Up)" (Brant Bjork) – 5:52
"Thong Song" (Josh Homme) – 3:47
"Apothecaries' Weight" (John Garcia/Josh Homme) – 5:21
"Caterpillar March" (Brant Bjork) – 1:56
"Freedom Run" (Brant Bjork/Josh Homme) – 7:37
"800" (John Garcia/Josh Homme) – 1:34
"Writhe" (Josh Homme) – 3:42
"Capsized" (John Garcia/Josh Homme) – 0:55
"Allen's Wrench" (Brant Bjork/Josh Homme) – 2:44
"Mondo Generator" (Nick Oliveri) – 6:15
"Yeah" (John Garcia) – 0:04

Alucard

Luis Salinas - El Guitarrazo (2001)

2008-02-26T16:14:00.000-08:00

Luís Salinas guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande, al sur de Buenos Aires.
Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador, de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán.
Fue un músico under durante mucho tiempo tocando principalmente en clubes y escenarios reducidos como “El Papagayo“, célebre pub, donde tocó durante ocho años.
Su música, que abarca distintos géneros, con el concepto del jazz y de la improvisación pasando por folklore, el tango, el funk, y el rock.
En este disco, en su calidad de instrumental, se puede apreciar todo su talento como músico e improvisador compartiendo el escenario con otros grandes guitarristas como Tomatito y Lucho González

Si quieren probar un tema antes de bajar el disco entero, recomiendo que escuchen “La Pesada”, el mejor del disco, en mi opinión, y el que mejor lo representa tanto en calidad como en estilo. Acá se los dejo en vivo :

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01. Para Troilo y Salgán
02. Aires
03. La Pesada
04. Pa' el tomate
05. Un ratito más
06. Vals de Lauro
07. La bacilona
08. El día antes
09. Rumbeando al norte
10. Zamba de mi esperanza
11. Almíbar
12. Aiers de tango
13. La milonguera
14. Bésame mucho (bonus track)

Espero que les haya gustado,
Gregory

Ayreon - The Human Equation (2004)

2008-02-25T11:14:00.000-08:00

Ayreon es un proyecto del compositor y músico holandés Arjen Anthony Lucassen. Su estilo musical deriva principalmente del heavy metal y del rock progresivo, pero incorpora elementos de géneros como el folk, la música clásica y la electrónica. La mayoría de sus álbumes contienen complejas historias protagonizadas por una serie de personajes, cada uno representado por un vocalista diferente. La música de Ayreon se caracteriza por el uso de intrumetos tradicionales del rock, mezclados con instrumentos más comúnes en el folk y la música clásica (mandolinas, violines, violonchellos, didgeridoo), creando un sonido único.

El disco "The Human Equation" cuenta con las participaciones de James LaBrie (Dream Theater), Mikael Åkerfeldt (Opeth), Devin Townsend y Mike Baker (Shadow Gallery) entre otros.

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"Day One: Vigil" – 1:33
"Day Two: Isolation" – 8:42
"Day Three: Pain" – 4:58
"Day Four: Mystery" – 5:37
"Day Five: Voices" – 7:09
"Day Six: Childhood" – 5:05
"Day Seven: Hope" – 2:47
"Day Eight: School" – 4:22
"Day Nine: Playground" – 2:15
"Day Ten: Memories" – 3:57
"Day Eleven: Love" – 4:18
"Day Twelve: Trauma" – 8:59
"Day Thirteen: Sign" – 4:47
"Day Fourteen: Pride" – 4:42
"Day Fifteen: Betrayal" – 5:24
"Day Sixteen: Loser" – 4:46
"Day Seventeen: Accident" – 5:42
"Day Eighteen: Realization" – 4:31
"Day Nineteen: Disclosure" – 4:42
"Day Twenty: Confrontation" – 7:03

Ulairion

At The Drive In - Relationship of command (2000)

2008-02-25T09:10:00.000-08:00

At The Drive-In fue una banda de rock alternativo formada en 1993 en El Paso, Texas. El origen del nombre de la banda proviene de la canción "Talk Dirty to Me" de Poison. La banda se desintegró en 2001 tras grabar tres álbumes de estudio, entre otros trabajos.
Relationship Of Command es el tercer y último álbum de estudio de la banda tejana de rock alternativo At The Drive-In, grabado y sacado a la venta en 2000. Los covers del álbum y de las ediciones de los singles son obra de Damon Locks, inspirados en la guerra de Troya. Como colaboración cabe destacar el trabajo de Iggy Pop en los coros de Rodolex Propaganda y en la parte inicial hablada de Enfilade.
Con sus riffs poderosos y sus melodías agresivas y distorsionadas, junto con la voz particular de Cedric Zabala forman en conjunto un único estilo fuera de los convencionalismos de rock actual.

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1. "Arcarsenal" – 2:55
2. "Pattern Against User" – 3:17
3. "One Armed Scissor" – 4:19
4. "Sleepwalk Capsules" – 3:27
5. "Invalid Litter Dept." – 6:05
6. "Mannequin Republic" – 3:02
7. "Enfilade" – 5:01
8. "Rolodex Propaganda" – 2:55
9. "Quarantined" – 5:24
10. "Cosmonaut" – 3:23
11. "Non-Zero Possibility" – 5:36
12. "Extracurricular" – 3:59
13. "Catacombs" – 4:14

Saimon

Explosions in the Sky - Those Who Tell the Truth Shall Die, Those Who Tell the Truth Shall Live Forever (2001)

2008-02-24T18:31:00.000-08:00

Explosions in the Sky es una banda texana instrumental. Tienen una habilidad increíble para transmitir estados de ánimo, paisajes y situaciones sin utilizar palabras, y en ese sentido se parecen mucho a la música clásica, que intenta contar historias sin palabras, guiándose exclusivamente con la melodía.

Este disco especialmente tuvo mucha controversia, porque la tapa depicta un avion con el epígrafe "This plane will crash tomorrow". Los rumores decían que el disco había sido lanzado el 10 de septiembre, aunque más tarde se desmintió y se comprobó que había sido el 27 de agosto.

Con influencias del rock progresivo, esta banda de post-rock escaló muy rápidamente a la fama en EUA, si bien no tuvo mucha repercusión internacional... tal vez porque supieron mantener ese espíritu "Indie" que los caracterizó siempre. Sin ningún video musical, siempre tocando en escenarios reducidos, haciendo de poco a nada de márketing.

Si quieren probar un tema antes de bajar el disco entero, recomiendo que escuchen "Greet Death" que es un tema que representa bastante bien no solo el disco, sino a lo que apunta la banda en general. Aca lo tienen en vivo:

En fin, un disco excelente (de los mejores que escuché en todo el 2007, de hecho), espero que lo disfruten.

Saludos

Diaco.

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1- Greet Death
2- Yasmin the Light
3- The Moon is Down
4- A Poor Man's Memory
5- With Tired Eyes, Tired Minds, Tired Souls, We Slept